El cine desde el comienzo.

La idea de capturar el movimiento por medios mecánicos es muy antigua.
Si bien han existido y se han utilizado varios métodos y formas a lo largo de los siglos para dar vida a las imágenes con el motivo de entretener, tales como las sombras mágicas, la linterna mágica y el Diorama , entre otros, podemos decir que el primer gran avance hacia lo que es hoy el cine, surgió a partir del Kinetoscopio, artefacto que fue inventando a principios de la década de 1890 por Thomas Alva Edison con ayuda de William K. L. Dickson. El Kinetoscopio fue considerado la primera máquina dentro de la Industria Cinematográfica. Era un aparato destinado a la visión individual de bandas de imágenes sin fin, pero que no permitía su proyección sobre una pantalla. Era una caja de madera vertical con una serie de bobinas sobre las que corrían 14 m. de película en un bucle continuo. Lamentablemente, sus funciones eran muy limitadas, por lo tanto, no pudieron generarse grandes avances.
Inspirándose en éste, los hermanos Lumière, hijos del fotógrafo Antoine Lumière, crearon el cinematógrafo. La principal diferencia entre ambas era que el Kinetoscopio sólo podía ser visto por una persona que insertaba una moneda ya que era un artefacto muy pequeño, en cambio los hermanos creyeron que debían convertirlo en algo público, colectivo, que todos pudieran admirar. Ninguno de los dos inventos sin embargo, era capaz de captar el sonido.
El 28 de diciembre del 1895 tuvo lugar la primera exhibición con público del cinematógrafo Lumière en el Salón Indio del Grand Café, en el número 14 del bulevar de los Capuchinos de París. El programa constaba de diez películas de 15 a 20 metros cada una con una duración total de 20 minutos. Estas películas estaban realizadas por Louis Lumière e interpretadas por sus familiares y amigos. El precio de las localidades fue de un franco. La recaudación ese día fue de 35 francos. Treinta y cinco espectadores propagaron a través de la ciudad la noticia de la especie de milagro de la que habían sido testigos. Esta publicidad suplió eficazmente la falta de prensa y pronto multitudes se congregaban para acceder a las proyecciones, a pesar de que muchos entraron en pánico cuando la imagen de una locomotora en movimiento se acercaba directamente a ellos y no ingresaron al salón nuevamente hasta no comprobar que ésta se había detenido.
Por un tiempo, el cine fue considerado una atracción menor, pero cuando George Méliès usó todos sus recursos para simular experiencias mágicas, creando rudimentarios -pero eficaces- efectos especiales, los realizadores captaron las grandes posibilidades que el invento ofrecía.
A pesar del éxito, los hermanos Lumière creían que el cine, no trascendería más allá y se terminaría cuando al público se le acabara la fascinación. Para ellos, sus proyectos habían sido sólo una curiosidad y estaban lejos de formar parte de la historia. Claramente, su teoría fue errónea.

Edison y la Motion Picture Patents Company

Entre 1895 y 1902, el pesimismo de los Lumière respecto al cine como negocio fue contrarrestado básicamente por la producción de Méliès y Edison. Edison, basándose en la tendencia capitalista que la Segunda Revolución Industrial había dejado, quiso controlar desde el primer momento el negocio del cine como si fuera patente suya. Su tenaz empeño por reclamar los derechos sobre sus patentes le condujo a estar durante años permanentemente en el juzgado para supervisar los varios centenares de denuncias contra aquellos que querían usurparle sus derechos. Esta primera guerra finalizó en 1908, con la puesta en marcha de la Motion Pictures Patents Company o MPPC.

La Costa Este de los Estados Unidos fue el lugar de nacimiento de la producción cinematográfica y para 1909, la realización de películas estaba dominada por un grupo de trece fabricantes que se habían unido en la Motion Pictures Patents Company, encabezados por Edison. Dado que Edison había conseguido patentar su cámara cinematográfica, y había trasladado su primer estudio el “Black Maria”- creado en 1893, hacia Nueva York- mejorado, la MPPC sólo alquilaba películas a las empresas que las utilizaban y que pagaban royalties por ello. El trust de la Patents Company llegó incluso a contratar a agentes para que recorrieran los estudios, laboratorios, y otros lugares en busca de cámaras no patentadas. Muchas veces los rodajes se vieron interrumpidos y los aparatos robados, y ocurrieron con frecuencia “accidentes” que daban lugar a pérdidas de negativos, equipos, a la destrucción de edificios, y, en ocasiones, a heridos y muertos. Todas estas presiones contribuyeron a que numerosos productores independientes abandonaran la Costa Este y decidieran probar suerte en el Sur, el Oeste y otras regiones soleadas, ideales para rodar películas.

El surgimiento de la Industria Cinematográfica

Los primeros Estudios Cinematográficos Americanos

Aunque el Kinetoscopio de Edison era ya conocido, el detonante del nacimiento de la industria cinematográfica en Estados Unidos fueron las exhibiciones ofrecidas por el representante de los hermanos Lumière. Los empresarios locales pronto decidieron hacer frente común para el desarrollo de una industria propia, y así fueron surgiendo las primeras productoras:

- Edison Studios
- Essanay
- American Mutoscope y Biograph Company
- American Pathé
- Vitagraph
- Kalem.
- Lubin Manufacturing Company
- Selig
- American Star

El mercado era prometedor, y para satisfacer sus demandas se disponía no sólo de las películas sobre todo tipo de temas que cada empresa producía, sino que también se comercializaban otras películas llegadas de Europa sin ningún control.
En el resto del mundo las primeras imágenes que se exhiben a partir de 1895 son básicamente las procedentes de la factoría Lumière. En cada país los representantes de la firma ruedan también breves filmes de asuntos convencionales y acontecimientos sin importancia, lo que permiten disponer de imágenes autóctonas para programar en las salas locales con el fin de interesar al público por el nuevo espectáculo. En Inglaterra destacó el grupo de fotógrafos de Brighton: James Williamson, George Albert Smith y Alfred Collins aprovecharon las aportaciones de su coetáneo Robert William Paul para rodar escenas que poco se diferenciaban de las filmadas por los franceses y norteamericanos.
En Estados Unidos, el cine tuvo un éxito arrollador, por una peculiar circunstancia social: al ser un país de inmigrantes, muchos de los cuales no hablaban el inglés, tanto el teatro como la prensa o los libros les estaban vedados por la barrera idiomática, y así el cine mudo se transformó en una fuente muy importante de esparcimiento para ellos.

Las Productoras Europeas

El Profeta.

Mientras tanto, el cine seguía otros caminos en Europa. Allí, el sentido del negocio se basó en el monopolio del celuloide. Surgieron grandes empresas cinematográficas que, con Francia a la cabeza, dominaron el mercado mundial hasta la Gran Guerra, en que su hegemonía fue reemplazada por la de la industria estadounidense. Hasta 1914, Europa, con productoras como la Gaumont, la Pathé o la Itala films, dominaron los mercados internacionales. Más tarde Europa sufrió una patente decadencia debido a la Primera Guerra Mundial, que marcó la pérdida de la preponderancia internacional de su cine.
Aun así, tras la guerra, se crearon obras maestras que iban a hacer escuela. El movimiento más importante en estos años fue el Expresionismo, cuyo punto de partida suele fijarse con la película El gabinete del doctor Caligari (1919), y cuya estética extraña y alienada respondía a los miedos de la Europa de postguerra, seguida después por Nosferatu, el vampiro (1922). También, en paralelo al movimiento surrealista en pintura y literatura, surgió un cine surrealista, cuyo exponente más célebre es Un perro andaluz.

HOLLYWOOD

Nacimiento

Como ya fue mencionado previamente, los primeros productores independientes de la Industria del Cine comenzaron a trasladarse a la Costa Oeste escapando del monopolio de Edison y la MPPC, de los impuestos y de la injusticia. Además se encontraron con que el clima de ese lugar era favorable para rodar en cualquier parte del año, había una multitud de paisajes que podían servir como locaciones, y había gran cercanía con la frontera de México, en caso de que debieran escapar de la justicia.
Si bien el primero que envió a alguien a filmar a California fue William Selig, de la Selig Polyscope Company, y más de un productor y cineasta reconocido llegó hasta allí para hacer tomas de diferentes Films, principalmente para Documentales y Westerns, no fue hasta 1911 que se abrió el primer estudio OFICIAL en Hollywood, donde antes había habido una taberna y al que se llamó Nelson Studios. Fue creado por William y David Horsley.
Los primeros productores independientes se habían traslado con la idea fija de mejorar sus filmaciones y adecuar los equipos para poder realizar largometrajes de una forma no tan complicada. Miraban al cinematógrafo más como un negocio que como un arte. Lucharon entre sí con tesón, y a veces, para competir mejor, se fusionaron: así nacieron 20th Century Fox, Metro-Goldwyn-Mayer, entre otros. Estos estudios buscaron controlar íntegramente la producción fílmica. Así, no sólo financiaban las películas, sino que controlaban a los medios de distribución, a través de cadenas de salas destinadas a exhibir nada más que sus propias películas. También contrataron a directores y actores como si fueran meros empleados a sueldo, bajo contratos leoninos; fue incluso común la práctica de prestarse directores y actores entre sí, en un pasando y pasando, sin que ni unos ni otros tuvieran nada que decir al respecto, amarrados como estaban por sus contratos. Esto marcó la aparición del Star-system, el sistema de estrellas, en el cual las estrellas del cine eran promocionadas en serie, igual que cualquier otro producto comercial. Sólo Charles Chaplin, Douglas Fairbanks y Mary Pickford se rebelaron contra esto, pudiendo hacerlo por su gran éxito comercial, y la salida que encontraron fue sólo crear un nuevo estudio para ellos solos: United Artists. Se habla así, de la producción hollywoodense entre las décadas de 1910 y 1950, como de cine de productor, donde contaba más el peso del productor que conseguía el financiamiento, que el director encargado de plasmar una visión artística.

El negocio comenzó a proliferar de una manera exitosa, la demanda de películas comenzó a ser inagotable. El público quería cada vez más películas, mejores y de mayor duración. Incluso se había comenzado a convencer a los empresarios y financieros que estaban ante un nuevo negocio. En 1917, comenzaron a valorar al cine por lo que se había comenzado a convertir. Se llamó a este nuevo comienzo “la Edad de Oro de Hollywood” . Fue entonces cuando comenzaron a surgir más y más estudios cinematográficos – además de los que ya habían podido instalarse de forma satisfactoria los años anteriores - que terminarían convirtiendo al cine en lo que es hoy en día.

El Fin de la MPPC

Si bien el poder de la MPPC comenzó a decaer cuando los cineastas independientes se trasladaron a Hollywood y comenzaron, a tener éxito, este no fue el único factor por el cual esta corporación dejó de funcionar.
Por empezar, en 1911 Eastman Kodak modificó su tratado con la Motion para permitir vender sus películas vírgenes a los cineastas sin licencia.
Otra razón importante, fue que no daban a basto la cantidad de Detectives para controlar la cantidad de lugares donde se exhibían las películas, ya que la cantidad de nickelodeons, teatros y salas había aumentado considerablemente.
Tampoco se vieron favorecidos cuando los cineastas independientes comenzaron poco a poco a hacer largometrajes, ya que la compañía no tenía intención de modificar su trabajo y reemplazar los cortos por películas de larga duración – que era lo que el público realmente quería ver.

El fin llegó en el año 1915, cuando un juez dictaminó que los actos de la MPPC “fueron mucho más allá de lo necesario para proteger las patentes o el monopolio”, por lo tanto en 1918 la MPPC se dio por terminada oficialmente.

Edad de Oro de Hollywood

La Llegada del Cine Sonoro

El Cine Sonoro se remonta hacia el 1900, cuando fue presentada la primera película con sonido en Francia. Sin embargo, hubo varios problemas que hicieron esperar una generación, que eran: la falta de sincronización – ya que se reproducían la imagen y el sonido en aparatos separados, y era difícil lograr que éstos funcionen en armonía-, el volumen de la reproducción – en las grandes salas no llenaba ni sobresalía el sonido- y la fidelidad de la grabación – baja calidad de los artefactos de la época-.
En 1918, es patentado el sistema sonoro llamado TriErgon, que permitía la grabación directa en el celuloide. Pero no será hasta el año 1922 que Jo Engel, Hans Vogt y Joseph Massole presentan el primer film, Der branstifer, que lo utiliza incorporando las aportaciones del ingeniero norteamericano Lee de Forest. El sistema que usan estos alemanes dará lugar al llamado Movietone, que será utilizado por la Fox antes de la estandarización y al llamado Tobis Klangfilm.
En 1923, el ya mencionado Lee de Forest presenta su invento definitivo y establece las bases del sistema que finalmente se impuso. El Phonofilm resolvía los problemas de sincronización y amplificación del sonido, porque lo grababa encima de la misma película. La falta de financiación postergó la implantación del invento hasta el año 1925. Los empresarios que dominaban el sector no creyeron en él en aquel momento, porque la adopción del sonoro implicaba una fuerte inversión, ya que había que adaptar los estudios y todas las salas de proyección.
En 1925, la compañía Western Electric decide apostar por Lee de Forest y, en el año 1926, se inició la producción bajo la tutela de la Warner Brothers que, con esta apuesta, pretendía superar una mala situación económica.
Las nuevas técnicas, el espíritu creativo y emprendedor de los cineastas y la búsqueda del más difícil todavía, hizo que se impusiera el cine sonoro, acabando, no sin dificultades y dejando a mucha gente en el camino, con el cine mudo. Cuando el cine sonoro demostró su rentabilidad, las películas mudas, a pesar de su arte, quedaron condenadas a pasar a la historia. El cine mudo había durado 35 años.
Algunas grandes estrellas fílmicas de Hollywood vieron naufragar sus carreras ante su mala dicción, su pésima voz o su excesiva mímica. Debido a esto surgieron nuevos actores en su reemplazo. Una película que retrata esta transición del cine mudo al sonoro es el famoso musical "Cantando bajo la lluvia" (1952).
Quizás el único de los grandes del cine mudo que siguió haciendo filmes sin sonido fue Charles Chaplin como Tiempos modernos" (1936). Sin embargo, a partir de 1940 comienza a realizar películas con sonido, la primera de las cuales es "El gran dictador".

Los Géneros Cinematográficos

La industrialización del cine hizo nacer a los géneros cinematográficos, que hasta un tiempo antes habían sido limitados y las películas no tenían una etiqueta:
- Cine Documental
- Cine Histórico o Bíblico
- Cine Negro: Su éxito se explica por la dosis de crítica social que dichos filmes envolvían, sobre la situación posterior a la Gran Depresión de 1929.
- El cine fantástico y de ciencia ficción: se desarrolló gracias a un factor fundamental: los efectos especiales, creados principalmente por Méliès, que evolucionaron a lo largo de los años.
- Comedia Musical: apareció gracias a la llegada del sonido.
- Western: Las locaciones en Hollywood hacían que los Westerns se convirtieran en Films muy realistas y de carácter nacionalista.
- Aventura y “Capa y Espada”
- Comedia: Si bien sus orígenes se deben a Charles Chaplin, comenzaron a implementarse nuevas formas de hacer reír a la gente – o gag – que implicaba por ejemplo, arrojar pasteles en la cara de los protagonistas.
- Animación: Impuesto por Walt Disney.
- Terror: En la década de 1930, coincidiendo con la Gran Depresión y el Nazismo, se puso de moda el cine de terror. Crearon la imagen moderna de los clásicos monstruos de la literatura de terror, como por ejemplo, Drácula.

Distribución del Cine

Ya que el Cine era el único multimedia de la época, es decir, el único que poseía varios medios de expresión, y como estaba viendo controlado por las compañías que lo producían, se elaboró una forma para producirlas de forma industrial. No se programaba la exhibición pura de la película, sino que por el mismo precia se ofrecía un serial y dos películas. A la película principal se le sumaba una más económica que era preparada a los apurones y no era de elaboración costosa. Se las llamó por ese motivo de serie B y hasta ese entonces venía incluída con la película principal.
También estaban las llamadas Series Dominicales, que constaban por lo general de doce capítulos de unos minutos aproximadamente, que poseían al final un cliffhanger que obligaba al espectador a ir al cine al siguiente domingo. Estas series, no sólo les dieron vida a algunos personajes de la época como Batman o Superman, sino que generaron algunas sagas futuras como Star Wars.
También surgió en la época fructífera del cine, su amplia relación con la música donde comenzaron a crearse algunas Bandas Sonoras y algunos artistas del momento comenzaron a desempeñarse en las dos artes, volviéndose cantantes y actores a la vez.
Otro de los medios de distribución y promoción del cine – si bien había comenzado con la Patents Company alrededor de 1910 – fue la publicidad, que no sólo servía para promocionar los Films en las salas, sino que daban reconocimiento a los artistas que hasta ese momento habían permanecido por lo general, anónimos. Este espacio publicitario dio lugar a montañas y montañas de materiales, revistas, carteles, tarjetas postales, pegatinas y otros recuerdos que no sólo aumentaron el número de espectadores, sino que lograron el reconocimiento tan esperado por los artistas.

Crisis en los Estudios

Para la Segunda Guerra Mundial, Hollywood estaba tan bien asentado que muchos de los estudios prestaban servicios en contra del Eje y apoyando a los aliados ya sea elaborando películas o creando anuncios, sin embargo, después de esta etapa, hubo dos factores clave que determinaron la caída del Antiguo Hollywood:
Primero y principal, los estudios debieron enfrentar un sin fin de juicios que se les hicieron por el Monopolio que ejercían, así que en el año 1948 debieron desprenderse de las cadenas de cine, es decir, debían limitar a la producción de películas, perdiendo la distribución. También se resquebrajó el control que los estudios poseían sobre los actores y directores ya que muchos se rebelaron contra el sistema llevando sus casos de falta de reconocimiento o sus desacuerdos con sus contratos y ganaron.
El otro gran problema que debió enfrentar el cine, fue la llegada de la televisión. Las series de televisión barrieron con las series dominicales, y los noticiarios televisivos reemplazaron a los cinematográficos. En un tiempo, se pensó que la televisión acabaría con el cine. De todas formas, el surgimiento de la televisión resultaría ventajoso, a su forma, para las películas. Esto fue debido a que la opinión pública sobre la calidad de la programación televisiva decayó rápidamente y, por el contrario, el estatus del cine empezó a ser cada vez más reconocido como una forma de arte seria y digna de respeto y estudio, ya que ante los problemas de la Industria Hollywood comenzó a producir películas más serias encaminadas a la superproducción. Esto fue complementado con la milagrosa decisión en la que la Corte Suprema de los Estados Unidos revocó su decisión y dictaminó que las películas eran una forma de arte con derecho a la protección de la Primera Enmienda.
Ahora, cada película hecha por un estudio podría tener un reparto y equipo creativo completamente distinto, desencadenando en la pérdida gradual de todas esas "características" que hicieron inconfundibles a las películas de la MGM, Paramount, Universal, Columbia, RKO y Twentieth-Century Fox. Sin embargo, determinadas personas del mundillo, utilizaron artistas que seguían contratados hasta el final de sus carreras o los mismos equipos creativos en sus películas. El número de películas en rodaje descendió bruscamente, incluso las de gran presupuesto, marcando un cambio en la estrategia a seguir por la industria. Los estudios se centraron en producir entretenimiento que no pudiese ser ofrecido por la televisión: espectáculo, producciones con argumentos trascendentales, mientras otros cedieron los derechos de sus bibliotecas cinematográficas y teatrales a otras compañías para ser vendidos a la televisión.
Si bien en ésta época se estandarizó el cine a color, el cine en blanco y negro predominó una década y media más, ya que rodar en color conllevaba muchas complicaciones (se requería el triple de luz que con el sistema en blanco y negro y cámaras tres veces más grandes y pesadas). Con la evolución y simplificación de Technicolor así como la aparición de otras compañías de cine en color como Eastmancolor entre otras que estimularon la competencia, el cine en blanco y negro quedó relegado a películas de bajo presupuesto o en las que era necesario por razones exclusivamente artísticas.

Cine de Bajo Presupuesto en Europa

En Europa, a raíz de la crisis en Hollywood se crearon nuevas formas de hacer cine, como el Neorrealismo, buscaba la máxima naturalidad, con actores no profesionales, iluminación natural, etcétera, y con un cine de fuerte crítica social. Gran parte de la actividad intelectual en torno al cine se desarrollaba no en los estudios de productores, sino en los foros, en donde se proyectaban filmes, y se discutía sobre ellos entre el público interesado. Se definió como un cine de autor, o sea del director, frente al cine hollywoodense, el cual era considerado cine de productor, y por ende, reivindicaba la mirada artística y personal del director, por encima de las exigencias comerciales. Tampoco desapareció en Europa el cine comercial. El despliegue de colosalismo por parte de Hollywood encontró respuesta en el desarrollo del peplum primero, y cuando éste se agotó, en el spaghetti western. Fuera de Europa también hubo otras manifestaciones fílmicas que se hicieron prontamente comerciales, como por ejemplo el cine de artes marciales procedente de Hong Kong. Todas estas productoras trabajaban artesanalmente, y no podían competir con la alta calidad técnica de Hollywood, por lo que se esforzaron en la cantidad, redefiniendo así el cine de serie B.

Nuevo Cine Estadounidense

Los Estados Unidos fueron golpeados por todos estos cambios cinematográficos que estaban dándose alrededor del mundo. Así es como en las décadas de 1960 y 1970 se formaron una serie de nuevos cineastas, que redefinieron la noción de cine Hollywoodense. Todos tenía sus propias ideas y opiniones, sin embargo, también poseían un objetivo en común: darle su visión personal a cada película que dirigían o producían. Algunos cineastas de esa época, que hoy son considerados comerciales, como por ejemplo Steven Spielberg, al principio fueron independientes con propuestas fuera de lo común.
A nivel dramático, muchos factores cambiaron con respecto al Hollywood clásico de antes: la cronología se cruzaría, los guiones presentarían "finales inesperados" y las líneas que separan al antagonista y protagonista estarían difuminadas. Por primera vez, el cine se contemplaba a sí mismo.
También prendió con fuerza, en la serie B, el cine explotation, en respuesta al cine de bajo presupuesto que llegaba desde el extranjero. El género más autóctono en la serie B estadounidense de la época fue el Blaxploitation, que trataba historias de pandillas y maleantes negros, con altas dosis de violencia y sexo para la censura de la época. Este período estuvo marcado por una gran tendencia a dramatizar cosas como la sexualidad y la violencia.

BLOCKBUSTER

A partir de los sucesos de la década del 70 el cine se volvió más oscuro. Las películas de entretenimiento se basaban en catástrofes, y desgastaron ese género hasta el agotamiento. A pesar de eso, todo cambió para siempre cuando se estrenó en 1977 “La Guerra de las Galaxias”. George Lucas, creador del film hizo un trato con la productora Fox en la cual la compañía se llevaba las ganancias por la película, y él por la mercadotecnia. Como los resultados favorecieron al productor y director, los estudios llegaron a la conclusión de que las películas podían ser explotadas económicamente desde muchos aspectos que hasta lo que se tenía en cuenta. Así fue como surgió el concepto de Blockbuster. La película se vende como estreno de temporada, y eso llevará a la venta de mercadotecnia, a través de la concesión de una franquicia sobre la película y los personajes de la misma, como por ejemplo a jugueterías que venderán los muñecos de los protagonistas, las cadenas de comidas que harán promociones, entre otras cosas. Esto llevó también a que se desarrollara el concepto de secuela, es decir se pensaba en las películas como eventos que podían continuarse, de esa forma, la franquicia se explotaba aún mejor, dejando de ser algo diferente, para convertirse en algo normal. El único defecto de este nuevo descubrimiento, fue que las películas comenzaron a perder su temática, transformándose en películas comerciales, principalmente consumidas por los adolescentes, convirtiéndolas cada vez en más banales.

Cine Comercial contra Cine Arte

Debido a que la producción de Cine Comercial continuaba creciendo, en otras partes del mundo, el cine arte siguió con su bajo presupuesto y la mirada del director por encima de todo. Esto se debió a varias razones. Por una parte, el cine comercial se hizo cada vez más caro de producir, y por ende, menos productoras podían incursionar en él (fundamentalmente de Estados Unidos); aunque esta tendencia se revirtió en parte con el auge de la computación, como lo prueban filmes europeos comerciales como los manufacturados por ejemplo. En segundo lugar, realizar películas con contenido artístico se transformó para los círculos culturales europeos, latinoamericanos o asiáticos en una especie de estandarte cultural, para oponerse a la cultura de los Estados Unidos. De todas maneras, esta línea divisoria, muy marcada en las décadas de 1980 y 1990, se fue diluyendo entrado el siglo XXI, porque las nuevas posibilidades de los efectos especiales por computadora y el cine digital permitieron abaratar los costos de las películas comerciales. Además, el cine arte nunca desapareció por completo de Estados Unidos, como lo prueba un cineasta como el cual, de todas maneras, para muchas de sus películas debió recurrir a capitales europeos.
Algo que denotaba la diferencia entre las diferentes formas de hacer cine, eran los premios. Aunque había excepciones, las películas comerciales tendían a prepararse para competir en los Oscar, en cambio las de Cine Arte, buscaban ser reconocidas en festivales como Cannes y Venecia.

El Postmodernismo

Para cierto sector de la crítica, el cine ingresó hacia la década de 1980 en el postmodernismo. De ahí que se hablara del agotamiento de las vanguardias, de la imposición del concepto de simultaneidad por sobre el de continuidad, del reciclaje de viejos materiales. Los Films más destacados de la época serían los armados a partir de la recreación de viejos códigos fílmicos y literarios que han perdido vigencia como tales, como por ejemplo el cine negro. Contribuye a esta impresión, la dilución que las películas han ido experimentando debido al fenómeno del Blockbuster Hubo algunas películas que no sólo quisieron ser eso, sino una experiencia también que abarcara Internet, novelas, videojuegos, entre otras estrategias de venta.

Cine Independiente

Dejando a un lado las producciones comerciales, los estudios a veces complementan sus trabajos con este tipo de películas, rodadas con presupuestos pequeños y a menudo independientemente de la corporación del estudio. La idea es enfatizar la calidad profesional en cuanto a interpretación, guión y otros elementos asociados con la producción y, también, con la creatividad y la innovación. Además, son películas que intentan entrar en el mercado para generar audiencia, ya que no cuentan con la misma publicidad que las superproducciones de Hollywood. Debido a los bajos presupuestos del cine independiente, un título exitoso puede llenar de beneficios a quienes la crean mientras que uno fallido obtiene unas pérdidas mínimas, permitiendo a los estudios patrocinar docenas de estas producciones en adición a sus grandes estrenos.
Entre 1980 y 1990 surgieron varios productores que cambiaron la perspectiva de las películas de cine independiente. En términos de dirección, guión, edición y otros elementos, estas películas fueron innovadoras y a menudo irreverentes, jugando con la contradicción de las convenciones de las películas de Hollywood. Además, su considerable éxito económico y su cruce con la cultura popular restablecieron la viabilidad comercial del cine independiente. Desde entonces, la industria del cine independiente se ha definido con más claridad y con más influencia en el cine estadounidense. Muchos de los principales estudios se han enfocado en ello mediante la creación de subsidiarios para producir películas similares.

La Aparición del Mercado de Vídeo Doméstico

Los años 1980 y los 1990 vieron otra importante creación. La completa aceptación del vídeo por parte de los estudios abrió un nuevo campo de negocio a explotar. En estas décadas fue cuando se tuvo por primera vez conexión con las cintas de video, que servirían de gran ayuda a futuro. Esto, junto con la explosión del cine independiente y la reducción de costes en el rodaje, cambió el panorama del cine estadounidense una vez más y lideró un renacimiento en el rodaje de películas entre las clases baja y media de Hollywood; aquellas sin acceso a los recursos económicos del estudio podían crear sus propias películas.
La aparición del DVD en el siglo XXI se convirtió rápidamente en una gran fuente de beneficios para los estudios y ha liderado una explosión de ediciones con escenas extra, versiones extendidas y pistas comentadas en las películas.

Otra Estrategia Comercial: El Cómic en el Cine desde el 2000

El avance en los efectos especiales ha llevado al cine multitud de cómics, aunque se siguen realizando con los métodos más tradicionales, sin renunciar a ninguna tecnología. Marvel Comics ha reivindicado en el siglo XXI a muchos de sus superhéroes que habían fracasado en el intento de pasar a la pantalla grande.

Cine Digital contra Cine Analógico

La generalización de las tecnologías relacionadas con la computadora cambió al cine para siempre. Los efectos especiales dejaron de a las maquetas y sobreimpresiones y pasaron a desarrollarse a través de ordenadores. Se perfila que para dentro de 20 años, todas las películas serán armadas digitalmente.
Hoy se trabaja e investiga sobre dicha tecnología, en el intento de que en unos años todas las salas de exhibición dispongan de proyectores digitales (los proyectores digitales capaces de una resolución de 2048 píxeles horizontales comenzaron a desarrollarse en 2005 y su avance es cada vez más acelerado), y se pueda filmar en digital con las mismas calidades en todos los aspectos que en el cine analógico.
La primera película con efectos digitales fue Tron en el año 1982, pero desde ahí el desarrollo fue fulminante. En 1995 Disney Pixar logró realizar el primer largometraje animado con una computadora, película a la que llamaron Toy Story. En 2004, la película Sky Captain y el mundo del mañana era completamente virtual, siendo reales sólo los actores protagónicos, quienes rodaron íntegramente frente a una pantalla azul.
Para Disney, este nuevo método fue un alivio ya que fracasaron con la animación tradicional luego de hacer Vacas Vaqueras. A partir de allí, se dedicaron a la animación por computadora.
Directores como George Lucas y James Cameron, utilizan ya los sistemas de alta definición mientras otros directores, Steven Spielberg, Quentin Tarantino, Tim Burton, entre otros, siguen prefiriendo el soporte analógico, pues el debate se encuentra aún entre las dos modalidades: cine digital o celuloide. Para unos, el cine digital supone otra clase de experiencia visual totalmente distinta al cine grabado químicamente y proyectado mecánicamente. Muchos directores, ruedan sus últimas películas con cámaras digitales, puesto que no pueden asumir los costes del analógico, y más tarde las pasan al celuloide. Lo cierto es que el avance del cine digital parece ya una evolución imparable y en el futuro se asistirá a la digitalización casi total de cine y televisión.
Las cámaras digitales permiten una posproducción mucho más flexible y menos costosa que el cine analógico, se puede ver en el momento los resultados sin necesidad de esperar el revelado, poseen cada día una mayor resolución y existe un mayor control sobre la colorimetría. Cierto es que los sistemas de filmación y revelado analógicos permiten resultados creativos diferentes, tanto durante la filmación como en el proceso químico de revelado, y los buenos cineastas le sacan un gran partido, en contra de la única respuesta que el cine digital tiene a la luz, por lo que hace más compleja la iluminación.
Algunos directores han optado por elegir la mejor opción para cada caso, usando el vídeo digital para las grabaciones nocturnas y en interiores y el tradicional analógico para exteriores de día, por ser las digitales más sensibles a la luz.

Cine Digital: Desarrollo en los Países con Mayores Necesidades

En este siglo, los países de escasos recursos, en parte gracias al cine digital, pero sobre todo por la necesidad de expresar sentimientos y carencias, realizan un cine, muy cotizado en occidente por su calidad y por la diversidad de temas con los que se enfrenta, tan diferentes a los de los países ricos. En una gran parte de las temáticas elegidas por países pobres para hacer su cine, coexisten pacíficamente culturas diversas, presentando sus propios problemas, sus dificultades de convivencia y su necesidad de emigrar para subsistir. En los productos de este tipo de cine se muestran con frecuencia temas de la emigración, internas, éxodo rural y llegada a la ciudad, o externas, que buscan el sueño del trabajo y del bienestar en países lejanos y las dificultades que tienen para su integración en ellos.
Son los países pobres los que mejor reproducen la necesidad de la convivencia cultural. Este cine, cada vez más visto y valorado en Occidente, abre la puerta para conocer elementos de las culturas en su origen y permite adentrarse en sentimientos, dramas, opiniones o diferentes ideologías. La imagen sirve así, en algunos casos como denuncia, otras veces aporta datos sobre una determinada cultura o sirve como iniciación –o soporte en una investigación etnográfica- de una línea de investigación.
Un dato. En Nigeria (Nollywood): se realizan 1.200 películas al año, todas en video. Aunque es un cine de muy baja calidad, es la tercera cinematografía del mundo, por detrás de Hollywwod y Bollywood . África es un continente a descubrir, pero nunca lo descubriremos porque no llega a las salas comerciales de occidente, con narraciones ajenas, lejanas, difíciles, controvertidas, que molestan porque muestran un mundo de pobreza, de miseria que amenaza la tranquila vida burguesa que se lleva en la parte rica del mundo.

El Cine e Internet

Un desafío para los estudios, definitivamente, fue Internet y el brutal crecimiento de la capacidad de almacenamiento en discos duros y portátiles, como por ejemplo el CD-ROM y el DVD. Esto hizo que por primera vez se pudiera reproducir virtualmente y de forma ilimitada una película completa sin que se perdiera calidad. El siguiente paso vino con el surgimiento de las redes P2P ("peer to peer"), que permiten intercambiar información de todo tipo sin un servidor central, y que muchos usuarios empezaron a emplear para descargar películas gratuitamente desde la red, compartiéndolas entre ellos.
Todo lo anterior abrió un intenso debate, que aún no termina, en torno al problema de la propiedad intelectual en Internet. Los grandes estudios se quejan de las pérdidas que este intercambio original, y los usuarios por su parte contraatacan esgrimiendo el principio de democracia en la red. Esta democratización, por su parte, ha llevado a que los productores o creadores sean los que directamente publiquen sus realizaciones en cuentas gratis de Internet como por ejemplo Youtube. También se ha simplificado el proceso de convocatoria a festivales de cine, con lo cual el cine independiente, realizado al margen de los grandes estudios, se ha visto fuertemente potenciado. A pesar del gran avance hasta hoy en día, todo es subjetivo, no se sabe aún hasta que punto el mundo del cine podrá seguir evolucionando con respecto a las redes sociales.
También Internet ha servido para la difusión del cine clásico. Una colección de películas de dominio público se encuentra en el Internet Archive, una completa base de datos para la preservación de la historia de Internet.

Lo más reciente: Cine en 3D

El cine se reinventa constantemente para llenar las salas de espectadores, se proponen y comercializan nuevas tecnologías, y, lo que en ocasiones no tiene el guión se suple con efectos especiales. El cine en tres dimensiones, que ya surgió en varios momentos de la historia, revive en con nuevos estímulos visuales para competir con el pirateo de películas y la pereza de muchos espectadores de acudir a las salas cinematográficas, alentándolos a vivir esta experiencia que no se compara con nada al cine en casa. Lo positivo es, que se siguen investigando y aplicando nuevas técnicas digitales y, en buenas manos cinematográficas, pueden producirse magníficos productos. El objetivo de productores y cineastas es ofrecer una experiencia espectacular, que hipnotice al espectador y que sea una sensación que difícilmente puede vivirse en el sofá de casa o en la pantalla del ordenador.
A pesar de que la reconversión de las salas para el nuevo sistema digital en D es de precio muy elevado, el cine 3D abre un nuevo camino. Algunas de las películas ya exhibidas, has superado hasta el momento, como Avatar, todos los record de taquilla. Disney, por ejemplo, está preparando nuevas versiones de sus clásicos en 3D.